Ni profundos personajes como en El pianista, ni apabullantes decorados como en El Brutalista, el último trabajo de Adrien Brody está lleno de perritos con bandanas y souvenirs baratos de Nueva York. Hace unas semanas, el doble ganador del Oscar a mejor actor anunciaba su inesperada colaboración con Raising Cane’s, cadena estadounidense de comida rápida especializada en pollo frito. El motivo era el tercer aniversario de uno de los restaurantes situado en Times Square y, para celebrarlo, Brody diseñó un gran mural publicitario en el que mezclaba imágenes del fundador, Todd Graves, y su perro, con grafitis y referencias a su propia carrera.
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“Compuesta por fragmentos de carteles y otros restos urbanos desgastados que he ido recopilando por toda la ciudad de Nueva York, junto con el programa de mano de mi debut en Broadway, The fear of 13, la pieza evoca la dureza, la perseverancia y el espíritu emprendedor que definen la trayectoria de Graves, el espíritu de Nueva York y esa estética urbana con la que siempre me he sentido identificado”, explicaba el propio Brody en un comunicado oficial. Sin embargo, esta sucesión de hipérboles no terminó de convencer a la crítica especializada ni a las redes, que enseguida se lanzaron a despedazarlo.
En X, un usuario tildaba la obra de “arte de mierda de perro”, mientras que, en la revistaARTnews, el crítico Alex Greenberger se refería al collage como “la última monstruosidad artística” de Brody. Pero esta reacción no es en absoluto novedosa. El actor y productor neoyorquino lleva más de una década compaginando su carrera en el cine con su faceta como artista plástico y, aunque sus collages —inspirados en grandes del arte contemporáneo como Andy Warhol o Jean-Michel Basquiat— se han llegado a vender en subastas por cientos de miles de dólares, no han dejado nunca de ser motivo de mofa.
“Cuando empecé me sorprendían estas reacciones, pero ya no. Ahora entiendo esa necesidad del público de encasillarlo todo”, reflexionaba Brody en la revista Interview, fundada en su día por el propio Warhol, sobre el rechazo que despertaba su incursión en el mundo del arte. “Pero la gente creativa necesita distintos canales para expresarse, ¿no? Además yo descubrí esta pasión mucho antes que la interpretación”, añadía. En la misma entrevista, revelaba que su padre, Elliot Brody, profesor de instituto y pintor aficionado durante toda su vida, le había inculcado la pasión por el arte. En cambio, su madre, Sylvia Plachy —mítica fotógrafa de la revista semanal The Village Voice— le enseñó a sentirse cómodo delante de las cámaras.
De hecho, de adolescente, Brody intentó estudiar arte en la reputada escuela Fiorello H. LaGuardia. No lo aceptaron, pero le recomendaron matricularse en la rama de interpretación del mismo centro. Allí se decidió su destino. Hasta 2015, cuando el actor, con 42 años y una carrera más que consolidada en el cine, debutó por todo lo alto en el mundo arte con la exposición Hot Dogs, Hamburgers, and Handguns en la Art Basel de Miami, la feria de arte contemporáneo más prestigiosa de América. La muestra giraba en torno a tres elementos típicamente estadounidenses —los perritos calientes, las hamburguesas y las pistolas— y ya entonces desplegaba esa mezcla de manidas referencias al arte pop y la cultura urbana que tanto enfurece hoy al público.
Entonces, sin embargo, pasó más desapercibida. Algunas revistas como Newsweek se preguntaban si hubiera llegado hasta allí sin su fama, pero, al fin y al cabo, no era el primer actor, ni iba a ser el último, que probara suerte en el arte. Dentro de esa lista de estrellas entregadas a los lienzos se extiende un amplio espectro: desde las mejor valoradas, como Lucy Liu, que expone desde los años noventa y hoy se considera más artista que actriz; Jim Carrey, que casi llegó a convertirse en un viñetista político; o Viggo Mortensen, hasta las más vilipendiadas como el siempre polémico James Franco, Sylvester Stallone o Johnny Deep, cuyos retratos de amigos famosos parecen recién salidos de los primeros programas de edición fotográfica. Pero, en general, ninguno llega a trascender de los círculos más cerrados.
Una decepción brutal
La inquina que despierta la obra de Brody nació el año pasado con su última gran película: El Brutalista. Después de la larga campaña de promoción de la película, Brody volvió a ganar el Oscar dejando momentos tan comentados como un interminable discurso, que muchos compararon con las tres horas y media de duración de la cinta, o el chicle que tiró a las manos de su mujer justo antes de empezar hablar. Apenas dos meses después de ese momento de máximo escrutinio, el actor inauguró Made in America, su primera gran exposición en años, en la galería Eden de Nueva York y la crítica fue demoledora.
En los lienzos de gran tamaño daba rienda a las mismas fijaciones de siempre, grafiteando y degradando a conciencia iconos que iban desde Mickey Mouse y Maggie Simpson hasta Marilyn Monroe, el escudo de Ferrari, Jean-Michel Basquiat e incluso él mismo. La exposición también dedicaba un espacio a las ratas de Nueva York, con las que el artista aseguraba haberse sentido siempre muy identificado, y a una mesa llena de chicles, para que los visitantes los mascaran y los pegasen en un lienzo vacío. El impulso de la exposición le llevó a vender una de las piezas dedicadas a Monroe en una subasta celebrada en Cannes por unos 425.000 dólares, que actualmente equivalen a unos 372.000 euros. El precio desorbitado consiguió que en las redes sociales corriesen ríos de memes sobre el actor y sus obras.
En el portal Artnet, la crítica de arte Annie Armstrong acuñó el término “red-chip art” para describir la popularización de este tipo de arte de colores estridentes, estilo cartoon y trazas de grafiti. La expresión es un juego de palabras con el concepto de “blue-chip”, utilizado en el mundo de los coleccionistas para referirse a las obras de esos artistas de renombre, como Picasso, Van Gogh o Monet, que se consideran un valor seguro porque su precio suele mantenerse o aumentar con el tiempo. En contraposición, Armstrong utilizaba el término “red-chip” para referirse a ese tipo de artistas, a sus juicio sobrevalorados, que deben su éxito a un nuevo perfil de coleccionista: hombres que conducen un Cybertruck de Tesla, invierten en criptomonedas y escuchan el podcast del cómico ultraconservador Joe Rogan.
“La única diferencia apreciable entre Brody y cualquier artista red-chip del montón es la insistencia que tiene por incorporar su propio rostro en las obras”, escribía. “Resulta desconcertante ver a un artista tan exitoso en un medio desenvolverse con tanta torpeza en otro”. Sin embargo, la crítica más demoledora que el actor ha recibido hasta la fecha llegó de la mano de Claire Bishop, profesora de historia del arte en el centro CUNY, en las páginas del diario The New York Times.
“Decir que parecen imágenes generadas por inteligencia artificial a partir de las búsquedas “grafiti del Lower East Side de los años noventa”, “Americana” y “nostalgia Disney” sería incluso demasiado generoso. En realidad, se asemejan al tipo de arte urbano descafeinado que se vende en la calle 53, a las puertas del MoMA, o en las aceras del SoHo: obras dirigidas a turistas que buscan un recuerdo de Nueva York con apariencia artística, pero sin ningún desafío estético”, zanjaba Bishop.
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